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" Boîte à idées photographique " Travaux pratiques à effectuer chaque mois
| Photographier au ras du sol | Les silhouettes | La photo minimaliste | L'autoportrait | Photographie à ouverture maximale | Virages | Utiliser un objectif grand-angle | Reflets sur du plexiglas | Coupez les têtes ! | | Horizon bancal | Cliquez sur les miniatures pour les agrandir
Lever du jour dans le Masai Mara
Quelques définitions :- Dire beaucoup avec peu. - Photo très épurée avec un seul sujet, souvent discret, dans un positionnement stratégique par rapport à un arrière-plan neutre ou uniforme. - Une portion d’objet seulement sur fond neutre, une répétition de motifs, etc.
Il faut simplifier la composition. Pour y parvenir, vous pouvez vous servir d'outils à votre disposition : la lumière, la couleur, les ombres, le contraste, les matières (ou textures) et les proportions. Pensez à composer de manière très géométrique : visualisez les rapports entre les éléments de la photo comme les lignes, les triangles, les carrés, etc. Profiter de la neige (monter en altitude...) et/ou du brouillard
Vous pouvez combiner pose longue, noir et blanc
High Key
et format carré
Un autoportrait photographique est une photographie que l’artiste réalise de lui-même. Cette démarche est réalisée avec un appareil photographique, soit en photographiant son image se reflétant sur un miroir ou toute autre surface réfléchissante, soit en se prenant en photo à l'aide d'un retardateur ou d'un déclencheur à distance. Le photographe peut décider de s'intégrer dans la photo de différentes manières (prise de vue, cadrages, jeux de lumière…).
Autoportrait tournant Le photographe peut utiliser différents types de cadrages dans son autoportrait : il peut être réalisé en en très gros plan, gros plan, plan américain en pied, plan italien, plan large, plan "taille", plan moyen. Deux points de vue peuvent être envisagés lors de la réalisation d'un autoportrait : - Plongée : prise de vue situant l'appareil photographique au-dessus du sujet. - Contre plongée : prise de vue situant l'appareil photographique sous le sujet. Remarque : Un selfie ne peut pas être considéré comme un autoportrait
photographique digne de ce nom.
Tous les grands de la photo (ou presque) ont fait leur autoportrait
Crédit : Ilse Bing, 1931
L’autoportrait mis en abyme
Daguerréotype, photographe inconnu, circa 1850, MOMA, New York Le motif du tableau dans le tableau est aussi présent dès le début de la photographie. L’hypothèse a été avancée que le couple représenté serait un frère et une sœur présentant un daguerréotype plus ancien où ils étaient enfants.
Génération numérique | Comment faire une mise en abyme avec Photoshop | La mise en abîme avec Gimp | Télécharger GIMP | L'effet Droste | Effet droste et mise en abîme avec Gimp et MathMap | Photographie à ouverture maximale et faible profondeur de champ L'ouverture d'un objectif est le réglage qui permet d'ajuster le diamètre d'ouverture du diaphragme. Elle est caractérisée par le nombre d'ouverture noté « f / N ». Les fabricants indiquent toujours la pleine ouverture de l'objectif : elle est gravée sur la partie frontale de l'objectif et indique le nombre d'ouverture pour une ouverture maximale du diaphragme ; plus ce nombre est petit, plus l'objectif est lumineux. Si vous devez photographier dans un environnement sombre (dans une maison, de nuit, au coucher du soleil) ou réaliser des portraits, privilégiez un objectif avec une ouverture de f/1,8 ou de f/1,4 si possible. À focale et distance de mise au point identiques, l'ouverture du diaphragme diminue la profondeur de champ et floute le fond. Dans le cas du portrait, une faible profondeur de champ améliore la sensation de relief et met en valeur le sujet principal net bien détaché sur un fond flou. Le floutage du fond est plus prononcé si l'on éloigne le modèle de l'arrière-plan. Quel objectif choisir ? Les objectifs à focale fixe fournissent des images de qualité avec une netteté et des détails largement supérieurs aux objectifs zoom. Ils présentent l’avantage, sur les zooms, d’utiliser moins de pièces mobiles et moins d’éléments optiques. Le passage de la lumière se fait plus directement, ce qui limite beaucoup les aberrations chromatiques, la diffraction et les images fantômes. L’avantage majeur d’une focale fixe est d’autoriser une ouverture nettement plus grande que celle d’un zoom. Une focale fixe offre une ouverture de f/1,8 ou de f/1,4 pour un prix minime. Même les zooms professionnels ne sont pas capables d’ouvrir autant. De plus, le bokeh est généralement plus beau que sur un zoom. Le seul moyen de zoomer avec une focale fixe est d’avancer ou de reculer. Ce qui semble être une contrainte s’avère en réalité être un véritable atout. En effet, cela va vous obliger à vous déplacer autour du sujet, ce qui vous permettra de trouver de nouveaux cadres et des angles de vue auxquels vous n’auriez pas forcément pensé avec un zoom. Ces derniers présentent en effet l’inconvénient de rendre l’utilisateur immobile. Le mode A ou Priorité à l’Ouverture : Le mode A (Aperture’ ou Ouverture en anglais) est le mode le plus utilisé par les photographes. Il consiste à fixer une ouverture à l’aide de la bague de diaphragme ou de la molette correspondante et à laisser le boîtier choisir seul le temps de pose. En vous donnant plus d’autonomie par rapport au mode P, le mode A vous permet de travailler sur les flous d’arrière-plan, la profondeur de champ et la netteté globale de l’image.
Choisir l'ouverture la plus grande.
Le mode A est le mode créatif par
excellence, car il vous permet d’isoler un sujet de l’arrière-plan, de mettre
en valeur un personnage, de créer un bel arrière-plan en paysage ou de jouer
avec le flou. Pour les plus fortunés d'entre vous, voici un exemple à 2099€ (le salaire du modèle n'est pas compris !) :
Nikon AF-S 105mm f/1.4E ED Le virage colorimétrique de vos photos peut dans bien des cas permettre de redonner de l’attrait à un cliché. En effet, il est intéressant d’effectuer ce traitement dans les cas suivants : - Pour récupérer une image floue, vous avez été obligé de pousser la netteté au maximum. Du coup, votre photo a un grain ou des artéfacts important. - Votre photo est très contrastée et elle ne rend pas grand chose en couleurs. L’effet vieille photo qui résulte de ce virage colorimétrique se marie généralement bien avec des photos de paysage ayant un ciel menaçant, des scènes de rue prises sur le vif ou des portraits.
Un virage photographique permet de donner une coloration plus ou moins
prononcée à l’image. Il existe un grand nombre de virages, mais le plus
connu est le virage sépia. 1 / Le virage numérique : Avec Photoshop : On applique une coloration d’ensemble à une image
préalablement mise en noir et blanc. - Ouvrir l’image - Ajouter un Calque de réglage Courbes de transfert de dégradé par le menu Le panneau Propriétés s’affiche, avec le dégradé par défaut (noir vers blanc). Votre image devient donc noir et blanc. - Cliquer sur la flèche à droite de l’aperçu du dégradé, pour faire
apparaître les autres dégradés Tester les différents dégradés en cliquant sur une vignette, afin de trouver le rendu souhaité. Vous pouvez ensuite régler l’intensité du dégradé en diminuant l’Opacité du calque de réglages. Avec The Gimp : La conversion en noir et blanc s’effectue par le biais du menu Couleurs/Désaturer… Vous avez le choix entre plusieurs préréglages (clarté, luminosité ou moyenne). L’ajout de contraste s’effectue via le menu (Couleurs/Luminosité-contraste…). Pour le virage colorimétrique de votre photo, il ne faut pas utiliser la fonction Teinte-Saturation mais la fonction Colorier (toujours dans le menu Couleurs). 2 / Le virage argentique : C'est un traitement chimique supplémentaire intervenant après le lavage d'un tirage photographique noir et blanc, dans le but de donner une couleur dominante à l'épreuve. La technique consiste à remplacer partiellement l'argent de l'image par un composé de préférence métallique plus stable. Les principaux procédés : - Virage sépia : retrouver la tonalité des épreuves sépia de la première moitié du XXe siècle.
Épreuve ancienne virée en sépia
- Virage à l'or : relativement onéreux (utilisation du chlorure d'or), donne une teinte de noir pourpre à rouge sang. Originellement, ce procédé visait également à améliorer la conservation des tirages.
- Virage bleu : permet d'obtenir des tonalités bleues, du bleu foncé au bleu-vert en fonction de la durée du traitement. Ce virage se rapproche du cyanotype.
Crédit : Philippe Jimene - Virage au sulfate de cuivre : donne des tonalités du brun chaud au rouge clair selon la durée du traitement.
- Virage au sélénium : renforce le contraste et donne une tonalité violacée selon la durée du traitement.
Venise
Nous verrons tout cela lors de prochains ateliers argentiques.
On
définit comme grand angle toute focale égale ou
inférieure à 35mm. Pour le plein format 24x36, un grand
angle se situe entre 16 et 35mm.
En portrait, le 35 mm est intéressant pour allonger les jambes d'un modèle en contre-plongée. Quand on fait de la photo de paysage, on travaille souvent avec un objectif grand-angle. Il produit des images avec une profondeur de champ infinie, presque irréelle, et une perspective très forte.
Crédit : Samyang
Vous pouvez encore accentuer le phénomène pour des photos originales ! Soignez le premier plan
Crédit : https://apprendre-la-photo.fr/ Si le premier plan n’est pas intéressant, votre photo ne le sera pas non plus. La distance hyperfocale : Le réglage de la distance hyperfocale permet de répartir au mieux la profondeur de champ dans votre photo et de l’augmenter sensiblement. Les photographes de paysages et d’architecture l'utilisent pour créer des images parfaitement nettes sur tout le champ de la photo. Dès que votre premier plan est à moins de 3 m et que votre scène se prolonge jusqu’à l’infini, l’hyperfocale devient très intéressante. Autrefois, une échelle de profondeur de champ était imprimée sur la bague des objectifs. Il suffisait de placer le repère de l’infini sur le chiffre du diaphragme désiré pour se trouver à la distance hyperfocale. Cela n’est malheureusement pas possible avec les zooms. Sur le moniteur de certains appareils hybrides et bridges, une échelle de profondeur de champ apparait et lorsque l’on passe en Mise au Point manuelle, on peut trouver l’endroit où la profondeur de champ est la plus importante. Le fisheye : n'est pas dans les moyens de tout le monde ! (de 1200 à 3000 €) Aux armes photographes
Les conventions du portrait ont changé au fil des décennies
Les nouvelles règles du portrait ont été amorcées par l'industrie de la mode : sur les couverture de magazine de mode les têtes sont coupées. Et pour celles qui ne le sont pas, il y a très peu d’espace entre la tête et le bord du cadre de la couverture. Les yeux des modèles sont positionnés dans le haut du cadre. Votre regard est attiré par leurs yeux, même avec toutes les distractions visuelles de superpositions de mots, les grands cheveux et les gros titres qui tentent d’attirer notre attention. Le contact visuel est puissant, car nous sommes programmés pour nous connecter avec les yeux, non avec le sommet des têtes. Parlons objectifs : Les compacts imposent de petites focales qui augmentent la profondeur de champ et donc rendent presque impossible la recherche d'un beau bokeh. Travailler avec un hybride. Les deux critères principaux d’un objectif pour les portraits sont la longueur focale (55, 85 ou 105 mm) et l'ouverture de diaphragme maximale. L’avantage principal de la focale fixe est d'avoir une ouverture maximale plus grande que les zooms. 50 mm f/1.8 pour les débutants ou les petits budgetsLes 50 mm sont parmi les objectifs les moins chers, ce qui n’enlève rien à leur qualité. Comme ils se rapprochent de la perspective de la vision humaine, ils sont faciles à fabriquer. La version ouvrant à f/1.8 atteint des résultats respectables. En fermant un peu le diaphragme, on peut gagner en piqué pour accroître la qualité de l’image, car tout objectif perd un peu de ses qualités de netteté lorsque son diaphragme est grand ouvert. Il y a aussi un effet de vignettage qui apparaît, mais ce défaut produit un effet intéressant : en obscurcissant les coins de l’image, on concentre davantage le regard vers le centre. Le 50 mm est l'objectif que tout le monde devrait avoir dans son sac. Il est petit, piqué, utile et pas cher. 85 mm f/1.4Le 85 mm figure parmi les objectifs fétiches du portraitiste pour son
sublime bokeh et l’aspect parfois onirique de l'image. Il permet une
proximité entre le photographe et son sujet, si importante à la
dynamique entre l’artiste et son modèle. Un point à considérer surtout en portrait d'intérieur est le recul disponible. Comme il est difficile de reculer les murs, on sera plus à l'aise avec un 85 mm qu'avec une plus grande focale. De plus le 85 offre souvent une grande ouverture maxi, ce qui augmente le confort de visée. Nikkor 85mm Ai-S f/1,4. Le choix d’une optique vintage, bon plan ?
105 mmIl permet d'obtenir davantage de flou en arrière-plan avec 20 mm de focale de plus que le 85 mm. Remarques : - Les grands angulaires (en dessous de 50 mm) allongent, plus ou moins selon la focale, le nez des modèles, car ils déforment la perspective. En effet, ils grossissent exagérément les parties du visage les plus proches de l'objectif. C'est la marque de fabrique des courtes focales. - Les téléobjectifs (au dessus de 85 mm) aplatissent, plus ou moins selon la focale, les visages, car ils tassent la perspective. Daniel Masclet, grand prêtre du portrait oublié de nos jours, conseillait de ne pas utiliser de trop longue focale qui éloignent trop le modèle du photographe et empêchent cette connivence lors de la prise de vues indispensable à un portrait réussi. (Revoir le film " Blow Up ") Attention aux objectifs hyper-piqués : voir ci-dessous Autrefois existaient des objectifs Soft-Focus (objectifs à flou artistique) marqués SFPourquoi du flou ?Actuellement, on voit surtout des portraits numériques chirurgicaux. Mais si votre copine ou votre modèle (ayant plus de 20 ans) n’apprécie guère un portrait qui met en " valeur " la moindre ride, le moindre bouton ou le grain de sa peau vous allez la décevoir ! Tout un arsenal de mesures peut être prises
pour éviter ce genre de détails, tant sur le plan cosmétique (poudre de riz)
que photographique (accessoires optiques, retouche des négatifs, éclairage
frontal…) ou de nombreuses heures devant Photoshop pour le numérique... les accessoires optiques pour agrandisseur ou un filtre de mauvaise qualité d'une marque premier prix (nous ne citerons pas de nom...) monté sur l'objectif de prise de vue. Pour aller plus loin, lire l'article complet sur l'excellent site galerie-photo : le Site Français de la Photographie Haute Résolution. Voir aussi : | L'intérêt des objectifs vintage | Le Carl Zeiss Planar f/0.7 de Stanley Kubrick |
- Une ligne directrice : Si votre composition englobe un sujet important, l'horizon étant relégué à l'arrière-plan, c'est moins crucial qu'il soit droit. Le regard sera davantage attiré par le sujet que par l'horizon. Dans certains cas, incliner l'horizon peut même pimenter vos compositions en dessinant une ligne directrice menant au sujet ou au centre d'intérêt. - Exprimer le mouvement * ou la vitesse :
Trois lignes directrices, sujet prêt à sortir du cadre, cadrage agressif En inclinant l'appareil, on crée une tension dramatique ; les vagues ont l'air plus grosses et on a l'impression de vitesse. Ce n'est qu'observant les détails qu'on remarque que l'horizon est incliné à l'arrière-plan et que les vagues ne sont pas si grosses que cela.
Incliner l'horizon permet aussi d'exprimer le mouvement ou la vitesse.
Lorsque vous photographiez des courses d'animaux, de bateaux ou de voitures
par exemple, une inclinaison créative peut renforcer la dynamique de
l'image.
Coupez la tête, lignes directrices en X Il peut être intéressant de changer la règle en pivotant l’appareil photo pour chercher une meilleure composition. En appliquant cette méthode, vous allez jouer avec les lignes directrices et apporter du dynamisme à vos photos. Cette technique fonctionne très bien en portrait. Si vous photographiez dans ce sens, allez-y franchement pour que l’on sache qu’il s’agit d’un choix délibéré et non d’un manque de précision à la prise de vue.
Coupez la tête, lignes directrices en X Utilisez le truc de l'appareil penché pour atténuer les différences de taille entre les gens. Ici, la jeune femme est beaucoup petite que l'homme. Observez la fenêtre au fond à gauche pour mesurer l'importance de l'inclinaison.
Cette technique fonctionne aussi lorsqu'on photographie des gens, en
particulier un adulte accompagné d'un enfant. En inclinant l'appareil, vous
pouvez mettre les deux sujets sur un même niveau et ainsi améliorer
l'équilibre de la composition. Au lieu d'évoquer une relation parent-enfant,
vous mettrez les deux personnes sur un pied d'égalité.
Ligne directrice montant à gauche (inhabituel, sinistre [mauvais
augure...]),
Photo monochrome virée
Ce cadrage amplifie le mouvement des vagues et l'impression de chaos qu'on peut avoir face à une mer agitée.
Propositions d'activités photographiques Questionnaire d'auto-évaluation en photographie Page mise à jour le 06/03/2024 | |||||||||||||||||||||||||||||
